1000把大提琴的合奏读后感（合集20篇）

1000把大提琴的合奏读后感 · 第1篇

待我冷静下来，我知道责备也是于事无补的，所以我将琴码重装了回去。可她的声音却回不到从前了。我默默地流下了眼泪。直到后来老师帮我重新调音，他才恢复到了原来的音准。经历了这件事后，我更加珍惜我的这位好伙伴了，看来只有失去才能真正懂得拥有呀。

这就是我和我的好伙伴一起度过的快乐时光。未来，在她的陪伴下，我的人生之路将会走得更加愉悦、精彩。

谢谢你，我的小伙伴!

1000把大提琴的合奏读后感 · 第2篇

技巧是重要的，乐器演奏若抛开技巧，一切便无从谈起。下面是小编分享的技巧在大提琴演奏中的运用，一起来看一下吧。

一、左手技巧

应当说，对于左手技巧的把握性是大提琴演奏的重要基础，左手的灵活性越高，对演奏的驾驭力越为有利。左手的技巧涉及到确定音高、展现音色等诸多问题，以下将针对演奏学习中的几个常见问题做出分析。

(一)把位、换把与音准

大提琴作为弦乐器，不同于键盘乐器。除C、G、D、A四根固定音高的空弦外，其它音高都是通过左手按压产生的。所以左手在大提琴演奏中起到决定音高的作用，我们常提到的音准问题就是完全取决于左手的问题。

据统计，通过左手在琴弦不同位置上的按压，可以产生一百多个实音。故而，为了便于演奏，就有了把位的概念。在一般的基础练习情况中，在第一把位至第五把位，左手除拇指外的四个手指以伴音关系自然排列,即为一个把位。随着音高的升高，拇指的位置需要从琴颈上转到指板上，即我们所称的“拇指把位”。左手拇指把位演奏技巧在大提琴演奏中占有极重要的位置，这一技巧的出现，同样是大提琴演奏发展史中重要的一页。它大大拓宽了大提琴演奏的音域范围，并使音与音之间的转换更为易于掌握。随着把位向琴马方向的延伸，半音之间的距离逐渐缩小，实事上，所谓音准问题的出现，就是不能通过熟练而准确地把握这种不同把位上细微变化而产生的问题。这同时又涉及到了换把的问题。

在通常情况下，除了乐曲的个别要求，我们力主将换把的痕迹尽可能的减少，这样做的目的是为了保持乐句的连贯性与流畅性。这就要求演奏者的换把即迅速又有极高的准确性。此外，我们知道，在数个不同琴弦上的不同位置是可以演奏出相同音高的某个音，即同音。举例来说，高把位的音效富于紧张度，较为明亮。而相对低的把位音色偏于柔和、浑厚。这时，就需要根据乐句的力度、情绪表达的角度，结合上下句的连接，从音响效果上加以选择。

再回过头来谈音准问题。卡萨尔斯曾说：“音准是个责任心的问题”。这的确是每一个弦乐演奏者永远要去解决的问题。莫里斯?艾森伯格曾指出“绝对音准与相对音准”的问题。所谓“绝对音准”即指钢琴的十二平均律，而包括大提琴在内的弦乐器的音准则是相对的。卡萨尔斯谈到：“一个作品中的音符不是孤立的;和声进行的动向，旋律线条及表情的色彩都给予以从属还是主导的特殊感觉。”实际上，也就是我们常常强调的从调性中去听音准。做到这一点，除了依靠敏感的听觉，对于谱面的分析也是极为重要的。

(二)颤指

颤指，又称为“揉弦”，是一种重要的演奏表现手段。在美化音色、表达情感上，发挥着重要作用。在大多数情况下，左手的颤指要保持相对放松的状态，因为只有在放松的状态下，才能发出自然圆润的音响效果，也只有在放松--这个基本的大前提下，才能相应的变化出不同的音响效果。比如，当乐句的情绪要求是激动的、悲愤的，这时就需要左手加快颤指频率与颤指幅度，以达到所需要的音响效果。而当乐句所要传达的是一种空灵的、静寂的效果，我们可以通过放慢颤指速度，甚至不要颤指以满足音乐的要求。另外要提到的是，在大提琴上，不同音域颤指的处理。正如同前面所提到的，大提琴的音域较宽，故而在演奏的技术处理上要做相应的调整(这一点同样适用于右手技术)。就颤指而言，在低把位时，由于其振幅较小，所以颤指的速度也要相对减慢;反之，当在高把位演奏时，则需要做出相对加快颤指频率的调整。事实上，在演奏中颤指可谓千变万化。越是多样，对丰富艺术表现力越为有利。适时地、恰当地使用不同的颤指手法，在增添乐句的色彩上起着不容忽视的作用。

二、右手技巧

对于持弓的右手来说，灵活的运用各类技巧，从而对千变万化的运弓控制自如，是每一个包括大提琴在内的弦乐演奏学习者通过反复摸索、尝试，练习的重点。下面将针对大提琴运弓与力度方面的问题进行论述。

(一)运弓

事实上，在大提琴演奏中，右手的运弓在丰富音乐表现力上扮演的重要的角色。我们所谓的用右手所表现的音乐色彩，很多时候即是对振幅的.控制。故而，对弓速、弓压、弓段、以及触弦点等的选择，对表现音乐起着至关重要的作用。举例来说，当演奏高把位的音时，震动的弦距较短，也就造成了震动的不充分，这就需要相对地将触弦点选择靠近马子的位置。对于不同类型的音型以及根据音色的要求，致使我们选择不同的弓段进行有效的表现。通常，在演奏快速而轻巧的连续十六分音符时，我们更倾向于将演奏的弓位定在靠近中弓的位置，这样通过小臂与手腕的配合更加利于灵巧的表现。同样，对于控制力度而言，弓速弓压对其有很大影响。比如，当演奏渐强音的时候，就可以逐渐加强弓速和弓压来实现这种音乐效果。另外，在排除特别音乐需要时，在基本的运弓中，对于弓压的控制是有一定规律的，譬如说，在下半弓演奏时，由于距离弓根较近，力度发出较为自然，而当弓子运行到上半弓，如果仍以其生理自然的发音，那么音量必然减小，这是由于距发力点较远所造成的必然，这就需要我们有意识的加以调整，人为地达到音质的均衡。

(二)力度

莫里埃艾森伯格指出“力度是音乐的基础。它能使音符在进行中保持其强度，使乐句从头至尾带有一种持续感。”?注??力度是相对而言的，它始终受到前后乐句的制约，而音乐的效果也正是在这种丰富的力度对比中产生的。很多时候，我们力主将这种对比尽可能的夸大，以形成一种鲜明的对比效果。当我们做每一个渐强或减弱时，都渗透着力度的细微变化。它是连接一个音符到另一个音符起伏的纽带，于是我们说，力度贯穿于整个音乐之中。“一个最弱音作为一个音的开始或结尾的常规，可能和最强音同样具有力度。”艾森伯格的这句话恰恰说明了力度的无处不在。而对于力度的表现手法，则涉及到上面所提及的运弓的问题，对于不同运弓技巧的把握，对力度而言是息息相关的。亦即根据力度的要求，进行相应不同的技巧表现。

三、技巧在音乐中的作用

谈到这里也就引出了每一个演奏者必然要思考的话题——技巧在音乐中究竟站在一个什么样的位置上?我们苦苦追寻、摸索，以期望日益完善的技巧最终应带来的是什么?

那么，首先让我们来谈一谈音乐。或许可以这样理解，所有艺术门类的产生都最初来源于人类本能的直觉，或者说，直觉造就了艺术。正如同大家所了解的那样，音乐的产生早于包括美术在内的任何其它艺术门类，甚至早于语言的产生。发出声音，用这种本能表达自我知觉与情感，在这一点上，我相信，那些远古时代利用动物骨骼吹奏音响的拓荒者，同今天身着礼服站在音乐厅舞台上通过演奏那臻于完美的乐器所奏出优美旋律的演奏家是没有区别的。从婴儿的第一声啼哭就被注定了，声音——是我们表达自我的最直接方式。音乐是抽象的，音乐又是最为具体的，因为情感本就是虚无缥缈的，却又是真实存在于我们每一个人内心深处的，而恰恰，音乐就为着这情感而生。于是，我们或许可以这样理解，对于音乐的这种本能表达依靠的是一种直觉，而直觉是感性的。的确，艺术在很大程度上依赖于这种因素，并且这种非理性的因素在我们对音乐的认识与理解过程中起着不可或缺的驱动以及导向作用。

然而，就如同任何一种被保存并且被发扬的人类文明一样，艺术必然需要一种理性的认识。就音乐而言，那正是我们有意地去观察、判断、总结的一个过程。而针对于包括大提琴在内的器乐演奏，演奏技巧恰恰正是这种理性认识中重要的组成部分。技巧的存在，以及我们对完善演奏技巧的不懈追求，无非是一种手段。就好似我们一直在强调、却常常忘记的概念——技巧是一种表现音乐的手段，而音乐本身才是最终目的，技术是服务于音乐的。这正是我们带着一种理性的认识去表达最为原始的感动。的确，在几乎每一个演奏者的学习生涯中，技术问题始终不离其左右，然而过分强调技术这个形式，而忘记了其背后真正意义的所在是可悲的。因为真正能够达到技术上无懈可击的演奏者是寥寥无几的，而太多的人仍旧将这个似乎不可能完成的任务作为奋斗的唯一目标。盲目而失去主旨是演奏学习中的一个误区，每一个演奏者都应清醒的意识到这个问题，从而避免成为“技巧的匠人”。

1000把大提琴的合奏读后感 · 第3篇

大提琴，它是提琴家族中的一个成员，是一种高贵、优雅的乐器。在小学一年级入学的时候，我报考了学校的民乐实验班。民乐实验班的乐器有很多，如大提琴、扬琴、琵琶、古筝、笛子等等，在妈妈的引导下，我最终选择学习大提琴。

刚开始学拉大提琴时，由于不熟练，手指不灵活，按压琴弦时总会不知所措，发出来的声音不是像鸡在临死之前发出的声音一样凄惨，就是像拉锯时发出的声音一样嘈杂，难以入耳，就感觉枯燥无味了。在学习的时候，双手会拉得又酸又痛的，那时的我一时对拉大提琴失去了信心。

我便在笔记本上歪歪斜斜地写上：“妈妈，我不喜欢拉大提琴。”妈妈看见了，便生气地指责我说，“乐霖，既然你选择了学习拉大提琴，就要坚持下去，不能半途而废、打退堂鼓。学习任何技艺，首先要学会吃苦。”妈妈的严厉批评，对我来说，是当头一棒，顿时我就清醒过来了。

之后，我就专心致志地学习大提琴，经过自己的努力，总算是找回了信心，再也不说“不”这个字了。在老师的辛勤培育下，我的琴技不断地进步了。大提琴那饱满、浑厚、悠扬、典雅的音色深深地吸引着我，一些经典名曲令我陶醉。也因为这样，我

可以做到每天坚持练琴，从不间断。

去年暑假福建省举办第二届弦乐公开赛，我积极报名参加了，这是我第一次参加的大提琴比赛，我非常重视这次机会。赛前，我每天坚持练习拉琴，练得双手发麻、疼痛，手上起了茧，坐得腰酸背疼，也不叫一声“苦”。遇到有难度的地方，我会虚心向老师请教。有时，还会请家人来当我的听众，给我提提意见。

功夫不负有心人，在比赛中，由于我的出色发挥，最终获得了二等奖的较好成绩，我的心比吃了蜜还要甜呢！

今年五月二十日，是我校与青少年宫合作三十周年纪念日，在隆重的庆典活动中，我们大提琴班以优美的琴声博得了观众们阵阵雷鸣般的掌声。今年暑假，由于我的不懈努力，我也顺利地通过大提琴五级的等级考试。

现在，我与大提琴形影不离，大提琴已成为我的知心朋友。每逢外公外婆或爸爸妈妈过生日，我都会用大提琴为他们拉一曲《生日歌》为生日晚会增添几分喜庆，全家其乐融融。每当做完作业后，我也拉一会儿大提琴，放松放松，释放一下学习压力，同时还能陶冶情操呢。就连出去旅游，我都不会忘记带上大提琴的。

现在，我可以对大提琴说，“大提琴，我喜欢你！”

1000把大提琴的合奏读后感 · 第4篇

教学目标

1.知识与技能

⑴通过学习学生理解旗帜和标志的意义、作用及艺术特点。

⑵了解设计的基础知识，掌握设计的基本技能。

⑶能够设计出体现旅行团特点的旗帜和标志。

教学重点

1.了解并掌握旗帜和标志的设计规律、设计方法。

2.培养学生平面设计能力和形象概括能力。

教学难点

1. 设计出形象简练、意图明确、有装饰美感的标志。

2.旗帜和标志在色彩和图案上的一致性和统一性。

教师活动

设计意图

学生活动

想一想，说一说：

我们的旅行活动为什么还要携带旗帜和标志，旗帜和标志有哪些作用呢?

总结：展示团队形象，易辨认和识别.

1000把大提琴的合奏读后感 · 第5篇

大提琴的语言Ⅰ天使来过的痕迹

一杯咖啡，一本书，一支笔，还有，一把，大提琴……

默默写下几行字，轻轻捻灭了灯，走上阁楼，原来月光如水！

抬头望月，此刻，我的心，如月光一般平静。阁楼下，传来悠扬的小提琴声。晚风带着柔和，青草的气息，夹着樱花的幽香。阁楼上的秋千，已铺上了一层薄薄的灰尘。

我清楚地记得，五年前，那个像今天一样宁静的夜。那一夜，我最后上了阁楼。妹妹，哦，不对，已经不是妹妹了，是静芸，静芸，她推着秋千，我的心，随着秋千一起荡漾。

可是，我不能放弃，我的梦想，就是爸爸和妈妈的“卡丝依露”服装企业能够在我手里更加壮大。我，就是韩紫璐，不是林紫兰的女儿，更不是林静芸的姐姐。

以前，我很快乐，亲情，友情，一直都没有离开我。

可是，为什么，上帝，给了我快乐，却又要自私地收回？

为什么，静芸遇上了车祸，便闯入我的家庭，闯入了我的幸福中，使我们的感情，变得遥不可及，整天在这明争暗斗中度过？

或许这个问题，我一辈子都无法理解。

林静芸，你逼我的……逼我对你，不再像以前一样温和，而是残酷！

为了我的将来，我不能留恋任何事情了！我绝对不能让妈妈把企业交给静芸，面对静芸，这个以前是友，现在是敌的静芸，我绝对不能手软！

我快步下了阁楼，回到卧室。

被锁住的柜子犹如那段快乐的记忆，被尘封了。

柜子里的那把大提琴已被尘垢覆住。

不过，我不会把它取出来！提琴和记忆，是永远不能开启的！

悠扬的小提琴声还在继续，与绵绵的夜色融为一体……

随着时间的转轮，记忆回到过去……

酷爱音乐的我整天与大提琴相伴，而静芸，一直用小提琴的乐声陪伴我，鼓励我，一练就是一个上午，我们的手都麻木了，而静芸，一直都用微笑鼓励我……

“姐姐，无论你是高音还是低音，或是中音，静芸都会陪姐姐练！”

“妹妹，你先休息吧，都练了一上午了！”

“不好嘛，姐姐练，静芸也会陪着姐姐练！”

……

而过了五年，身为姐姐的我，一直都在日记里，暗暗诅咒静芸。昔日大提琴与小提琴日夜相伴的欢乐，也荡然无存。

但是，只要爸妈不改变，依然像以前一样疼爱我，或许，我也不会像今天这般吧……

假若能像以前那样，那就好了……

不行，紫璐，你不能留恋了，一定要斩草除根！

（本文曾在叶佳惠的百度空间coffee吧发表）

1000把大提琴的合奏读后感 · 第6篇

一、喜欢，就是淡淡的爱。爱，就是深深的喜欢。我生机当前能够不必送你回家，而是咱们一起回我们的家。

二、走进灵峰，远远地看去，只见一株株梅树笔直地挺立在草丛边上。

三、风呼呼的刮者，卷起的沙石疯狂的拍打着窗玻璃；天越来越暗，小树在狂风中摇摇摆摆；呜呜的响声一片，人们就象喝醉了酒一般，与风、飞沙搏斗着。

四、钢琴都似乎是属于少年的。只有心的老去，才会明白大提琴那种纠缠的停顿的质感。

五、让人深在浮世中，却有皓月当空，清风徐徐之感

六、有的学生囿于生活体验和生活环境的限制，对山雨、雨中山林的描写可能会有陌生之感。

七、琴声宛如两只蝴蝶，欢快地在金色的阳光中飘飘飞去。

八、子曰：“父母之年，不可不知也一则以喜，一则以惧。”――出自（春秋）《论语・里仁第四》。孔子说；“父母的年龄，不能够不知道。一方面为他们长寿而高兴，一方面为他们衰老而担忧。”

九、那花朵里透红，花瓣润滑透明，像琥铂或碧玉雕成，有点冰清玉洁的雅致。

十、母亲节，心发慌;望明月，想爹娘;千里情，万丈光;思孝敬，炖参汤。亲爱的朋友，母亲节祝你的母亲我的母亲天下所有的母亲，身体安康，万事吉祥!

十一、琴声高昂，如鹰击长空。

十二、语言的尽头是音乐出现的地方。贝多芬

十三、静夜的笛声，却是来自敞开的心扉，悠扬飘荡、绵延回响，萦绕着无限的遐思与牵念，缓缓地飞升。升到那有着星辰与皎月的深空里，和着云丝曼妙轻舞，如同天上人间的喧哗化作一片绚烂织锦，一幅无声的灵动画卷，一曲清新的玄妙天籁……

十四、音乐让我有很了大的收获。

十五、不知道是音乐如心情，还是心情如音乐!也或许音乐与心情融为了一体!人与自然也融为了一体!音乐本身就是生活——生活也就是音乐。

十六、夜，冷冷清清的月牙挂在村头的树梢上，忽传来一股低沉的笛声——一定是悠扬又睡不着了，笛声那缓缓飘遍小山谷。

十七、歌是人类灵魂的翅膀。歌，可以释放情怀，敞开心灵的窗户，放松心情，缓解压力。而听歌，对于我来说，是生活中不可缺少的一部分。

十八、领悟作者是怎样细致观察、用心倾听山雨的，继续学习通过联想和想象来表达独特感受的方法。

十九、音，乐，两者而生音乐。音，就是声音，乐，则代表乐曲。同学们，你们是否用心去听过音乐，又是否知道倒音乐的无限魅力呢？

二十、新年第一天上班，新年第一天加班，偷偷看两眼菠萝油和奶茶，加油。

1000把大提琴的合奏读后感 · 第7篇

小学一年级时，妈妈给我买了把崭新的大提琴。它有点像放大版的扁葫芦，撑起支架，和我的个儿差不多高呢！当时还在读一年级的我背起大提琴，还真有点吃力。我非常喜欢它，对它爱护有加，每天都会细心地用绒布为它擦洗身体。

有一次，我学习了《A小调协奏曲》。虽然这首曲子并不长，但是对于刚开始练习大提琴的我来说，却是举步维艰。我演奏的时候，每拉几下耳边就传来一阵刺耳的声音，就像锯木头一样，很难听。我一气之下把它丢在地上，还踢了它一脚。它一动不动，好像在心平气和地安慰我小主人，别生气了，学什么都不容易，失败是成功之母，你一定能拉出优美的曲子，加油！

我似乎听懂了这番话，仿佛看到成功在向我招手，豁然开朗：谢谢你的鼓励！我们一起加油！我重新拿起大提琴，坐在椅子上，深深地吸了一口气，开始练习渐渐的，我发现大提琴越来越听话了，音色也越来越美妙了经过五年的学习，我和大提琴已经成为了形影不离的好朋友，它每天都陪伴在我身边，我每天都会用它演奏美妙的乐曲。当我因为总练同一首曲子而觉得枯燥，它仿佛直鼓励我不要放弃，坚持到底。

当我陶醉在浑厚而迷人的乐曲声中时，我的大提琴就像个快乐精灵，带给我好心情。它不仅陪伴我通过了大提琴考试，还陪着我获得了区级艺术比赛一等奖的好成绩，给我带来了无限的快乐。

如今我已经爱上了大提琴。练琴的过程让我明白了这个道理：纵使荆棘满布也不要放弃。因为我们不知道在哪一刻就会有一道光出现，引领我们走出黑暗。那阳光普照的地方，一定有鲜花盛开！

1000把大提琴的合奏读后感 · 第8篇

它看起来典雅，身型是葫芦的平面加长板，是松木制成的，琴面光滑而细致，亮橘色，活泼中又带一点古典美。当用弓上去拉四条定弦时，它会发出不同的音高，在搭配手指按压在不同的位置，组成的就是我跟它的对谈。

大提琴是我用来抒发情绪时用的，无论喜怒哀乐，总是要献上一曲，让自己过过瘾。它就像无价之宝，不但陪伴我无数的岁月，也是我精神上的支柱。它会陪我一起欣赏扣人心弦的乐曲，当我拉不好时，也会听我发牢骚，真不知道没有它，我会怎么样。

历史上，大提琴的地位并没有比钢琴和小提琴来得高，但我就是迷上它低调又优雅的特性。它的音域所释放出来的乐曲是会让人觉得舒服又轻松，就像慈祥和蔼的老奶奶一样。

1000把大提琴的合奏读后感 · 第9篇

(1)时间上

每天都要有最低限度时间时间量的保证,许多技术,没有磨练过程是掌握不了的,磨练,就要时间,幼小孩子,耐力较小,每次练习可稍短些,但两三次合起来,每天总要在一个小时以上。

(2)练习动作时

务必同时练习耳朵和头脑,耳朵时刻要注意听,检验对弹出的声音是否满意,脑子要时刻指挥,调整参与行动的身体部位,这就是精神集中。

(3)练习的目的要明确

练习,是把自己不会的东西练会,把老师指出的的和自己感觉的缺点改正过来,究竟要练会什么?缺点,错误是什么?都要非常清楚,明确,具体。

(4)弄清目的之后

每次练习都要至少解决一个问题,退一步,也要至少在一个问题上有进展,这就是有效的练习.有的问题,一次难以解决,那也要尽可能进展得多谢,深些。

(5)要讲究质量

不求数量,宁可内容少些,但要质量高些,弹不了整首,先弹半首,或一小段,或一句,或一个音型片断.弹不了两只手就弹一只手.但每练一点就要高质量,积少成多,终究会练好全曲。

总之,切忌练一天,停两天;耳朵不听,脑子不想;没有目的,为弹而弹;不计效果,只凑时间;在即将成功之即,却退下阵来,已经要做熟的饭,却提前闭了火,只好下次重新点火;不讲质量,泛泛地一遍一遍从头到尾地过。

1000把大提琴的合奏读后感 · 第10篇

没有人料到低迷的音符将是悲剧走来的足音，指尖不理会韵律和理性的之间颤摆换来的是感性的扭曲。仍在继续，大提琴将演奏起这结局？

被拉紧的琴弦仿佛是重新接好的断鞭，抽打着原本就不应该残缺的魂梦原本不希望，只因眼前的音符如此排列，无奈将这节奏推进，推进，高潮里充斥这什么？在序曲中每一个无法预期的音符背后，是牢骚的怨言和等待，呆滞的凝望和等待，无助的求救和等待。

心情被紧张的琴弦崩紧，生命扭曲成了一块冰冷无情的顽石，永远没有暂时的节拍，沿着同样的节奏活下去，于是便总是这样迎合着这节奏用同一种腔调歌颂颓废与堕落，于是在为这曲谱填写心灵的词。

偶尔听见圆号与钢琴在作响，可它们却如同陌生人毫不理会，原本能一齐奏出一曲共同的乐章，却没有走近，独自闷响，却不走近，这令自己只好独自一人去面对奏章的高潮。于是，开始越拉越惧怕！

无数的附点十六分音符令它很不安稳，六八拍的泛滥让自己都忘却了是什么音调，指尖对待眼前每一个音符，似乎在企图撕破一张网罗。但，这里没有自己和鸣的音调，但，或许已在绝望中忘却了和弦将是什么调，退了下来，退了下来，烦躁的调子淹没了最终的抗拒。

高潮？这是我要弹奏的高潮部分？圆号和钢琴已销声匿迹，忽然开始发觉自己彻底的孤独，也孤独得彻底。高潮中，为曲谱所填的曲词竟是一连串没有答案的问题和没有抗拒的呐喊为何序曲苦闷的等待换来的是没落的乐章？为何心中的和弦没有在指尖奏响？为何圆号与钢琴独自闷响却不走近？为何？为何

依旧一人孤独，一人迷惘。

不敢再期待乐章的结局里会被奏响些什么，希望的仅是圆号与钢琴不要来烦扰它的颓废与堕落，或许乐章的结尾是一个本应出现的休止符，或许将是一个反复记号，但不再期待

一声闷响。

悲剧的足音已经响过，大提琴的闷响将结束悲剧后的一切进行思索

1000把大提琴的合奏读后感 · 第11篇

我不知道该说什么，我也不知道该怎么做，尘世间的事真的细碎地像尘埃那样，不留余地．我是什么？

所有的人都在努力，而我却在垂死挣扎(姑且让我这样形容吧)．生命是多么的美好啊．我们可以清晰地感觉到心跳，生命的存在毕竟是让人兴奋的．无奈的事情谁会去计较太多呢．宁愿挣扎着快乐也不要安详的认输．

可以允许我诉说吗？我感觉到了．

所以，现在没有谁能看出来了．命运，如此……

今天是两天后了．五一，三天的黄金假日，却用来兼职，可悲、真可悲．临促，站了两天，不是累，是站不住了……还得一天．

晚上洗完澡，看到学长的短信，说是因为要出海报问我明晚能不能去值班……我毫不犹豫地答应了……多么的可笑啊——打开QQ看到部门群里，原来早已询问过，那么就是没人去，才想到我啊……知道我不会拒绝的……无语．

我难道就是这样吗？只要在乎的人要我做什么，我都会去做吗?即使是托着疲惫的躯壳……值班出海报要站两个小时的，可是，这两天兼职回来都已经瘫坐了，没有了丝毫力气……我当真是傻的．

或许是我在乎的人太多了？我努力告诉自己学长们是善良的，每个人都是善良的，他们对我好，我也应该对他们好的，我应该“听”他们的．可是，现实是我看到的貌似并不是象我所安慰的．杯具啊，你们就别让我白忙活了，如果你们是真的在让我白忙活．

我觉得我对这个学长是有特殊的好感的，他有一种吸引我的魅力，但奇怪的是这种喜欢只想表现出来，并不是拥有，更不是在一起．我居然对恋人的诱惑没有丝毫的动心，我贪恋着享受单身贵族的生活．貌似大学本不应该是这样的……是我太90后了吗……疑惑……

我有五楼和三楼两个值班室定期、也会不定期去值班（例如明晚就是个不定期的三楼值班，五楼就不多说了），分别是不同的学长管理，三楼是这个学长的管辖地……最近，强烈地意识到我是曹营汉心的——身在五楼心在三．

何去何从……

我，感觉到了——灵魂逝去的冲动．

1000把大提琴的合奏读后感 · 第12篇

我的理想是成为一名大提琴演奏家，我要创作许多优美的曲子，让那些美丽的音符可以自由自在地跳舞，演奏给热爱音乐和需要帮助的人们，让所有人都能感受到音乐的温暖和快乐！

音乐，有时候就像茶叶一样，而弹演奏者，就像开水，激活了音乐。音乐中的每一个音符都是神奇的，你要用心去体会它，就会发现音符的魅力。假如我是一个大提琴演奏家，我会让我的琴声印在人们的脑海里，久久不能忘怀。音乐是无拘无束，随心所欲，能陶冶情操，洗涤心灵的，在琴声中会让人感受到风儿在唱歌，小草在舞蹈，河水在流动，浮云在飘动

假如我是大提琴演奏家，我会到各地学校去巡回演出，让那些怀有音乐梦想的孩子感受到音乐的奇妙。让他们好好学习，为自己的理想努力奋斗，成为一个有用的人，为国家做贡献！

假如我是大提琴演奏家，我会把演出赚来的钱的一部分捐给慈善机构，让不能上学的孩子得到良好的教育，为孩子们提供各种各样的乐器，让他们都能接触乐器和感受到音乐的魅力，让他们亲身弹奏出音乐美丽的旋律，体会音乐所描绘的各种美丽画面。

假如我是大提琴演奏家，我会用大提琴演奏出像《天鹅湖》那样行云流水，优美动人的音乐作品，体会乐曲的奇妙与迷人；奏出像《欢乐歌》般欢快、活泼、开朗、高兴的音符，即使是不开心的人，也会被这愉快的曲子所感染，使人们燃起乐观、向上、积极生活态度；奏出《救国战歌》，让被战争侵袭的人们不畏艰险地捍卫领土，保卫国家，与可恶的侵略者抗争。

假如我是大提琴演奏家，我还会编写出更多辉煌的乐章，创造一个又一个的奇迹，一首又一首的曲子，像一个自由自在的小鸟，飞向我的音乐之门。

1000把大提琴的合奏读后感 · 第13篇

一、大提琴演奏姿势

1、手型。左手在演奏时采取什么样的手型，往往因演奏者习惯和手的条件不同而具有微小的差异。我的体会是基本的手型是松弛地拿口杯状，拇指自然弯曲，处在琴颈左后侧与一指和二指间相对(稍往二指靠一点)的位置；在用大把位时，拇指可向相对三指的位置靠近。这种手型松弛自如，进退自如，便于在一般情况下触弦的四个手指摆准位置，也便于把位的上下转换，与此相联系，左臂应自然放松，与琴颈形成约60度的夹角，并随把位的高低适时调整。

2、按弦。大提琴琴弦较粗，要把它按结实需要左臂的自然重量传到手指上。但按弦结实并不等于按死它，这里有必要从概念上把它们加以区别。“结实”是有弹性的、能动的按弦，发出来的声音是活的；“按死”是硬梆梆的按法，发出来的声音是直的。有种方法可以体会按弦手指放松的感觉，即在A弦上，用任何一个手指放在第四把位E音的上方落指，拉出实音，然后立即放松，拉出泛音来，上臂放松，手腕平，肘与指尖是一个整体。要学会手指第一关凹节去或放平，这样指尖肉垫接触弦的面宽，力也容易传上去，可使声音丰满，特别是手指细长而又较尖的人。良好的按弦将给揉弦提供极好的基础。

3、按弦动作的抬与落。大提琴演奏过程中，左手手指按弦能否达到时值准确、力度适中的要求，与按弦动作有很大关系。

第一步四个手指排列均匀，高低整齐地准备在同一根弦的上方。

第二步依次直接、有力地按节奏落指，以指根关节为主，手臂每个关节放松，但不介入。每当一个手指落下后，原先的手指便把力传给它，然后，先落手指仍平衡保留在弦上，勿需用力。

第三步逐个抬指，也是用指根关节，垂直抬起，勿拨弦，动作十分果断、利索，离弦越近越好，在拾每一个手指的同时，将力传到下面一个手指，抬起来的手指保持在弦的上方。如此顺序和反序地练习起落，特别要注意抬指的节奏感。这样，手指的动作就是在整个手臂抬动的情况下，在手掌的支撑下有力地、灵活地进行。

第四步用弓演奏，注意清晰、均匀。由于我们的手指粗细、长短、强弱不一，如顺其自然，就会发出节奏不均匀，音质不统一的声音。在空手训练时，就要给予注意，用弓演奏时练习四个手指依次起落，用1、2；2、3和3、4指有节奏地打指；在做每个练习时，仔细听手指的均匀度，不论落指和拾指，每个音都要有清晰的爆发点。在抬落指的训练中，有一个概念需要搞清楚，即“独立”与“孤立”的差别。只进行单个手指的训练，往往导致手指的孤立活动，手型难以保持，准确性也得不到保证，而且显得“吃力”并非“有力”。

4、揉弦。揉弦作为一种乐曲情感的表述手段，它的基本要求是轻柔如歌。演奏者除了必须以身心的松弛引发手臂、手腕、手指的松弛外，还要注意揉弦动作的完美。

一般来讲，初学者大都把揉弦理解为朝琴马方向的揉动，不了解为什么还应包括琴头方向。实际上，揉弦如同人体的自然摆动一样，左一下、右一下对称、协调。这不仅是一个幅度大小的问题，而且是一个能否真正揉得起来的问题。单向的揉动让人感到牵强、生硬，揉着揉着就揉不下去了；双向的揉动才赋予整个动作的活力，出现“柔”的效果。

揉弦其训练方法有:四个手指按弦上，同时揉动，在揉动中手指逐个抬起和按下，在弦上的手指始终保持揉动的方向，这样可使换把、换指时揉动动作不致中断。揉弦的均匀速度是可控制的，这点最重要，它是检查揉弦正确与否的标尺。其方法是计数训练，真正做到心中有数:用2指按在D弦第四把位上拉一弓长音A，每揉动两下停一停，一弓停两次。然后揉三下停一停，然后四下、五下，直到八下后，可不计均匀地揉

二、大提琴颤指探讨

在大提琴演奏中，左手颤指这一技术动作是非常非常重要的。它对我们演奏中的音乐旋律更富于情感、动感、歌唱性，对色彩的斑斓变化起着锦上添花的作用和效果，使听众产生丰富的联想和情感变化，进而引起人们强烈的感情共鸣。在谈到颤指的重要性之后，我们先来了解一下它的起源。器乐颤指起源于各种乐器对人声的摹仿。为什么说是对人声的摹仿呢?在人类的日常生活交往中，人的声音语调都。

三、学大提琴首先要解决音准问题

学大提琴首先要解决音准问题.练习音准是任何一种乐器演奏者的基本功。而每一种乐器又因其在构造上和发音原理的不同.练习音准的方法也就要求各异，大提琴也不例外。本文正是从大提琴的特殊要求出发，就有关影响音准的诸多方面──手型、指触、换把、保留指、颤指、泛音及律制等等──深入浅出地讲解了达致演奏音准的方法和经验。

四、关于教大提琴中的发音问题

关于教大提琴中的发音问题.大提琴发音的好坏直接影响音色，纯美、浓厚、轻松、自如、具有穿透力的声音是大提琴教师在教学过程中始终追求的目标。好的发音是由许多要素组成的，握弓时手指的位置、拉弓时手臂的动作、适中的触弦点，如何克服生理上的弱点，及力量的来源等。在教学过程中注重发音训练，提高学生的演奏水平达到音乐表现目的。

1000把大提琴的合奏读后感 · 第14篇

很少有古典乐是“无伴奏”的，这个吸引我。

听了很多的古典乐都是乐团形式演奏，其实我倒觉得很多乐曲独奏更好。这张碟给力荐，无关演奏者的任何演奏技巧或是其他我无法判断的因素，只因它是无伴奏的，我就觉得它是值得的，任何一种音乐如果是纯粹的表演或许它是单调，但未必不是打动人心的。

很多人都知道大提琴不是一种任何人都喜欢的乐器，它的音色有着岁月的痕迹与睿智，它是需要一种沉淀下来的态度来面对。最好的音乐，不过是在对的时间听到适合自己这个阶段乐曲。

1000把大提琴的合奏读后感 · 第15篇

今天上午，我去青少年活动中心参加“海曲杯”大提琴比赛。当走进教室看见七位评委老师非常认真、非常严肃的样子时，我的心怦怦直跳，好紧张啊！再看看比赛的同伴都比我大，我是年龄最小的。我想：我不是为了名次，而是为了锻炼而来。嗨！想到这儿我反而不紧张了。

轮到我拉的时候，注意力都集中在曲子上了，出色地拉完了两首曲子，然后站起来向老师鞠了个躬，老师满意地向我笑了笑点点头。这时我轻松多了。明年我还要参加。

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1000把大提琴的合奏读后感 · 第16篇

一音准在大提琴的演奏中的重要性

所谓的音准就是乐器在演奏和所演奏出来的的音高，能与一定律制的音高相符合。乐器在制造或调音时就有音准要求。音准的取得，有赖于表演者优良的乐器、精湛的技巧与适宜的演出环境,但更主要取决与表演者敏锐的听觉。在演凑乐器的过程中，随时都要通过演凑者的知识能力、控制能力等音乐智能来解决音准，来达到音色的协调统一，演奏的准确完美。

音准是大提琴的“灵魂”和“生命”，是伴随大提琴学习全过程的永恒话题，同时也是最难突破的问题。大提琴演奏是技巧、情感与音准的统一，那么音准训练尤为重要。笔者认为影响大提琴音准最主要的因素，就是耳音（耳朵对音准的概念）。作为一名弦乐演奏者如果没有灵敏的听觉和正确的音准概念，就无法演奏出优美的旋律。在大提琴演奏过程当中，演奏者尤其是初学者往往发现自己所演奏的旋律不那么悦耳，问题就出在音准上。大提琴的音准与自身的演奏方式有关，它不像吉他、钢琴这些有键盘或音品的乐器，只要自身的音准调准确，演奏者直接演奏即可，在演奏过程当中不存在控制音准的问题。大提琴则不然，它们的指板没有音品，所有的音准都要靠耳音和左手的技巧来完成，这样就对演奏者在音准的控制上有了一定的要求。

对于在听觉上没有问题的学生而言，音不准主要的原因就是独自练琴时没有用耳朵仔细辨别演奏的音是否准确，在当下又没有对偏离的音及时做出纠正，久而久之听觉就没有起到它应有的监督和指导作用。这样就形成了不良习惯，从而加重了错误的观念。

二影响大提琴音准的因素

影响大提琴音准的因素可分为两个方面：一个是主观因素，一个是客观因素。

1、乐器构造对音准的影响

乐器构造对音准有着一定客观因素的影响，这种客观因素主要表现在乐器构造方面，大提琴构造特点决定了本身的四根弦的固定音高之外，没有和琵琶一样的音品标记在指板上，也没有安装可以用手触摸到有标记音高的位置。这样给大提琴演奏者对把握音准带来的很大程度的困难，也成为了影响大提琴音准的重要客观因素，因为按弦的位置一旦稍有差池，音高也会随之偏离。

2、演奏姿势对音准的影响

演奏者如果没有一个正确的演奏姿势是会直接影响大提琴的音准的准确把握，通常来讲，大提琴的演奏姿势只有一种，在演奏或者在练琴的时候，琴身与人身呈四十五度，不能躺的太厉害也不能直的很厉害，更不能让上半身一直往前倾斜，这样都会影响大提琴的音准，姿势的不正确会阻碍左手换把的速度和准确性，准确的演奏姿势才能使大提琴发出准确的音准。

3、演奏者的音乐听觉能力对音准的影响

多数学生或者是演奏者都感觉到大提琴的音准掌握起来很有难度。演奏者在演奏的过程中最能打动观众部分的就是旋律，而旋律的起伏则需要精确的音准来完成。音准的准确度更多的取决于演奏者的音乐听觉能力。对于初学者来说，音乐听觉能力的训练主要是内心的听觉能力。内心听觉就是借助音乐记忆，能内在地想像出声音的旋律、音高、音色、节奏想像出音乐形象。外在听觉就是通过直接表现的音乐形象来判断声音音高的准确性。对于初学者而言，要想学好大提琴就必须培养这两个方面的能力，在平时就要养成随时听辨音准的良好习惯，充分结合运用内心听觉和外在听觉。内心听觉在观看乐谱的过程中首先在内心想象出大致的音高，之后通过外在听觉对实际演奏出的音高进行判断，以便可以适时的控制音准和正确区分音准的好坏。后文对内心听觉及外在听觉具体的训练方法加以论述。

4、左手按弦或揉弦技巧对音准的影响

大提琴演奏法中按弦主要由左手完成，左手的技巧会直接影响琴的音准质量，为了确保大提琴音准的质量，就必须要保证左手能准确找到音高的位置，对琴的把位要做到手上有准、心中有数。如果演奏者用左手在不同的把位上来回换把的话，就很难准确的把握琴的音准。初学者没有熟练掌握揉弦技巧的话也是会使音准的质量降低，揉弦是演奏者通过手掌来带动指关节在指板上对每个音做出快速而有规律的颤动，在这个过程当中，手指如若在指板音位上的位置来回滑动，不能固定。这样的话也会对大提琴的音准产生影响。

三大提琴音准的训练方法

音准训练是学习大提琴的一个重要环节，主要培养演奏者对音准的判断力，初学者不具备准确的音准判断力，需要进行大量反复地训练，如音阶练习、唱谱联系、琶音练习等，通过这些练习使得大提琴演奏者能够熟练而有准确的掌握大提琴的音准。

练习音准且最基础的练习就是音阶，每个乐器最开始并且最重要的练习就是音阶，可以说在练习过程中，音阶是一日不可废的。音阶可以练习我们手指的距离，可以练习我们的听觉。通过音阶中的琶音=训练我们的换把，也相当于是再联系分解和弦。和弦音阶的练习可以更好的让我们熟练音程距离。

1、调式音准强化训练

高低不同的乐音，围绕着有稳定感的中心音A，按一定的音程关系组织在一起，成为一个有机的体系，称为调式。调式是人类在长期的音乐实践中创立的乐音组织结构形式。通常在阐述调式这一概念时，常常把调式的中心音——主音作为起点和终点，其他各音按音高的顺序依次排列成音阶的形式。那么在不同的历史时期与不同的民族和地域，形成各种不同的调式。

调式音准强化训练可分为大调式音准训练和小调式音准训练，这两类各细分为自然调式、和声调式、旋律调式三种。训练的过程中首先从各调式的上下行音阶入手，充分掌握各调式相邻音级具体音高关系之后，进入琶音的训练，主要培养对各调式正音级所构成三和弦的内心音高听觉，最后再从乐曲中感受不同调式中特征音程所带来的不同色彩。为了能够进一步提升演奏者对于调式音准的判断力，需要提高演奏者的综合素质。

主要表现为自身的视唱能力和听辨能力，提高视唱能力就必须学会模唱音程、旋律、单音：用钢琴弹奏音程、旋律、单音进行模唱。学会构唱音程、音阶和和弦，用钢琴弹奏某一个音，然后以这个音为基础上、下构唱各种和弦和音程，唱准各试各调的音阶。最后练习视唱各种调式调性的视唱曲，最好能在三升三降内可以自如的视唱三升三降的视唱曲。还有最重要的一个能力就是听辨能力，俗话说视唱在前、听音在后，只有先会唱才能更好的分辨音高的能力，再对听辨能力的训练时，最重要的是对音程掌握。

2、外在听觉和内心听觉联合运用法

当演奏者在演奏作品之前，首先是通过眼睛看见乐谱，再通过左手的按弦演奏出音高，即先有视觉再有听觉，换句话说就是先有内心听觉再有外在听觉。如果说在内心听觉上没有形成概念的话，一旦奏出来的音传如耳朵就难以补救了。所以说我们在平时练琴的时候就要养成良好的练琴习惯，在拉每一个音前，都要提前在脑海里找到这个音高的位置。真正的做到心存音高、脑在手前的良好习惯。内心听觉是一个虚拟的音高，具体的实际音高还必须要通过听觉在验证，即使内心听觉的能力很强，也会受到左手的一些技巧如揉弦、换把的影响，音准也是会有一定的偏差。这个时候就必须通过外在听觉来调整左手的按弦位置，及时的纠正音偏差。

3、音阶练习弹、唱、拉联合运用法

音阶练习是一种最佳的音乐练习形式，因为它将手指的灵活和双手的协调练习与速度、力度和耐力的培养结合在了一起。此外，还能从中得到宝贵的乐耳锻炼与节奏训练。你只要有规律的正确练习，就能自然而然的得到所有这些收获。那么练习音阶的目的就是把音拉准。就如伟大的小提琴演奏家海菲茨说：“小提琴演奏技术的基础就是音阶，它是小提琴演奏技术最重要的方面”。同样它也是大提琴演奏技术的'基础，那么可见，练习音阶，是作为提琴演奏者最重要的基础练习，一定要每天的坚持练习，认真对待。练习每条音阶时首先将它唱出来并进行录音；第二步在钢琴上弹出具体音高并与录音进行比较，对偏离的音高进行矫正；第三步在演奏时充分运用内心听觉和外在听觉并进行录音；第四步将演奏的录音在钢琴上核对，对偏离的音高进行单独训练。

四针对无音准概念学生的训练方法

根据上文可知在学习大提琴中非常重要的环节是音准训练，第三章是对有音准概念学生训练方法，在学习大提琴当中不免有些学生对大提琴的音准概念比较模糊甚至在脑海里没有形成音准概念，就是我们所说的五音不全的学生，这些学生如果用第三章的音准训练方法的话就比较困难，训练的效果就不是很明显。形成这样的原因有很多方面，手型不对、从小学琴的时候不规范、听觉不灵敏等这些都有可能导致对音准概念不明确.

1、建立正确的左手姿势

大提琴演奏左手的基本手型是手指、拇指、手臂的的完美结合。在练习的过程中要做到松弛、自然。建立一个正确的左手的手型，有利于提高左手的技巧，同时为建立正确的音准框架提供了基础。那么音准框架就是说在每个手指之间在指根上纵向距离。这种手指间的距离，决定了大提琴的音准。手的框子是指：任何把位，左手的四个手指都要尽量的保持准确的一四指之间的纯四度关系，它的目的就是通过稳定一指和四指，从而准确的找到二指和三指的具体位置。在一把位练习时，就开始训练每个手指的独立性。所谓手指独立，就是该动哪个手指就是哪个手指，不要有牵连，更不要出现错动。根据乐曲的需要，手形在演奏过程中也在不断的调整和变化，并不是固定不变的，最基本的手形是，左臂自然放松抬起，大小臂约是30°角，与身躯是25°~65°角，手掌与小臂基本平行。正常情况下既不凹起也不下榻，手呈拿水杯状，四个指尖在同一直线上，略弯曲放在琴颈后左侧与一指、二指中间相对的位置。从一个手指转换成另一个手指的同时，手掌需处于良好的放松状态这有利于照顾比较薄弱的四指和无名指。手形是大提琴初级学者的关键环节，它直接关系到学员是否有发展与前途。没有一个规范的手形，将很难把握音准与力度、速度与节奏。

3、电子定音器进行辅助音准训练

电子校音器是一种测量乐器声音频率并指示音名及音准偏差的电子仪器。电子校音器能够显示组序（弦序）、音名及音准的偏差高或者低。电子校音器作为在练习音准时进行辅助音准训练的工具，它在你拉每个音的时候可以很快的分辨出音的高低，从而可以使我们及时的调整手指的位置，来达到音准的目的。

结语

综上所述可知，音准对于大提琴演奏有着至关重要的影响，因此对于大提琴演奏者而言音准的训练也是必不可少的一个环节。在音准的训练中需要注重内心听觉和外在听觉的结合运用，本文针对不同阶段演奏者出现的问题提出了部分具体的解决方法。但需要注意的是，音准的训练是一个长期积累的过程，在学习大提琴时要重视对音准的训练，掌握基本方法的同时也必须勤学苦练，只有在解决了音准问题之后，我们在演奏的过程中才能更加的自如，使我们有更多的精力投入到音乐表现中，达到艺术的新境界。

1000把大提琴的合奏读后感 · 第17篇

伊势英子作品《1000把大提琴的合奏》读后感，来自沪江网友：虽然画面简单了一点，但是内容还是很好的。不要说什么日本人的东西不买，他们的精神也有值得我们学习的地方。这本书刚开始看只是一般，但是越看越打动人。大提琴的声音就像这本书，越听越纯粹，浓厚……

1000把大提琴的合奏的读后感，来自沪江的网友：我不喜欢日本，但是我还是给孩子看过一些日本作者的绘本，这本孩子不喜欢，没读完就不要看了，女儿非常爱读书，我想这本太沉重了对她而言目前尚无法懂得，读到一半我强忍住没有让眼泪掉下来，孩子没有过这些经历无法理解灾难带给人类心灵的洗劫，我但愿她永远不要经历这些，这本书大些的孩子应该读一读，我觉得日本作者对于在灾难后的心理重建、人和人之间的那种关怀是我们现在的社会所缺乏的，对于人性的终极关怀是缺失的，神户大地震对于年纪稍大的人应该都还有记忆，这本书就是关于大地震之后的人们的相互支持，用1000把大提琴的合奏给大家鼓劲打气纪念。不矫情不做作发自内心……

1000把大提琴的合奏读后感 · 第18篇

1000把大提琴的合奏读后感 · 第19篇

一、大提琴演奏握弓技巧

在学习大提琴之前，首先要学习相应的握弓和抱琴技巧。只有养成良好的习惯，才能够减轻因长时间演奏对身体造成的不适，有一个轻松的心态，进而达到事半功倍的学习效果。下面简单介绍一下规范的.握弓姿势和技巧。

说到如何让初学者拿弓的右手放松，其实关键是要想办法让其右肩放松。整个身体坐正，右肩自然放平和左肩同高，因为很多初学者在拉琴时右肩比左肩高，他们认为这样拉A弦会比较容易，其实不然，这样会直接导致其肩膀紧张，拿弓子手也随之紧张。右肩放松自然下垂，不会影响拉A弦的。还有一点就是，握弓子的右手要自然张开成握鸡蛋的状态，平时刻意感受一下握着一个鸡蛋是什么感觉，拿弓就是这种感觉。

另外，在拉推弓时，肩膀带动前臂一起动，不要只动前臂或手腕，这样弓子就不可能放松了，整个右半部分身体要舒展开。初学者在练琴的时候要注意这几点，一是右手放松，左手也要放松，特别是在柔弦演奏的时候。二是在大提琴演奏的过程中，特别是在更换把位的时候要注意音准。三是注意右手弓子不要打滑，弓子在指板下方5厘米处最适合，但是不要上下打滑。

最后简单说明一下抱琴的姿势。初学者在抱琴的时候身体要主动前倾，不要往后仰，坐在琴凳的三分之一处，双臂环抱琴，这样有助于换把位，特别是换高把位。

初学者要纠正自己演奏大提琴时的姿势，并逐渐养成习惯，熟练掌握大提琴握弓和抱琴的技巧，避免身体产生疲劳感，有利于提高大提琴的演奏能力。

二、大提琴音准把握技巧

大提琴演奏过程中，音准的控制是要由手指来完成的。所以，要想把握好大提琴的音准，首先要进行手指的训练，将每一个音符把握好，进而熟练掌握每个音的准确性。

由于手指的结构特点不同，在进行指法教学的时候也需要注意不同的教学技巧。比如拇指较之其他手指少一个关节，其触碰弦的位置是拇指指端，很多演奏者不注意这个细节，常常是利用拇指外侧来触碰弦，导致在演奏过程中出现手腕压住拇指的情况。在平时的运动中大多数都是张合动作，在进行演奏的时候关节运动会比较僵硬，因此在训练指法技巧时注重拇指柔韧性的锻炼，多对拇指进行垂直运动的锻炼。另外，拇指还需要支持整个手掌的移动转移，让手指在大提琴上得以迅速移动演奏，演奏出时间比较持久的音符串列。

当逐渐了解了每个手指所对应的琴弦时，要进行快速演奏的训练。这就要求初学者手指的灵活度，以及手指之间的完美配合。通过手指之间的完美配合，再加上每个手指音符把握的准确度，形成一个连续清晰的音乐演奏，并让音乐富有饱满性，避免在音乐演奏过程中出现停顿现象。

总之，通过对手指灵活度和配合性的训练，以及手指音准的把握，进而形成演奏者自己的音准把握技巧。

三、大提琴演奏揉弦技巧

在众多大提琴演奏技巧中，揉弦技巧难度较高，因为揉弦技巧的运用对手指的要求比较高，并且演奏过程比较复杂。但是，揉弦技巧也是在大提琴演奏过程中经常用到的一种技巧，对于大提琴初学者来说，在练习揉弦技巧的过程中，不要因为弹奏不好而产生急躁心理，要对自己的练习时间和任务做好规划，有规律地进行练习。揉弦技巧主要是通过手指控制大提琴演奏中的速度和力度，协调不同音区和不同类型的音符，再加上颤指技巧的使用。下面简单介绍一下如何把握速度和力度。

在演奏过程中，会有一些强音和低音之间的转化，对于一般的演奏，在演奏强音的时候，要加快速度，提高振幅；演奏弱音的时候，振幅要比高音时的振幅要大，节奏和速度要慢。但是对于不同的琴弦来说，规律又有一些改变。总之，演奏中所谓的快慢、高低都是相对而言的，把握好演奏的速度和力度，形成揉弦技巧。

总而言之，大提琴演奏技巧的熟练掌握，不是一蹴而就的，需要初学者进行长时间的练习，进而提高大提琴演奏水平，并将情感融入到大提琴演奏之中，进一步提高演奏能力。

1000把大提琴的合奏读后感 · 第20篇

大提琴是音乐界不可缺少的重要低音乐器，在交响乐团中占据重要的地位。它的起源要追溯到16世纪末，是由一种叫作“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴”的乐器演变而成。那么，下面是由.jinpinTjian ul li a小编为大家分享大提琴练习技巧及运用方法，欢迎大家阅读浏览。

一.大提琴练习中右手的重要性

1.人体拥有物理的美感

人体是由很多不同大小的关节组成的，从物理学和生理学的角度上讲，最舒服的姿势和最科学的肢体活动，才能造成能使琴弦最大共鸣的力度。右手握弓的时候，其实只是用三个手指，拇指;食指;小指。这三个指头就可以形成一个三角形，保持基本的稳定，有时候我们往往会忽略小拇指，其实小拇指的作用是很大的，在换弓和前半弓运弓的时候，小拇指可以起到食指起不到的作用。若抛开肢体活动不说，想要演奏出完美的音色，需要注意两点，就是力度和弓速。在右手上大臂的力量是最大的，所以我们在运弓的时候一定要学会使用大臂的力量，肩是右手臂的主要杠杆支撑点。肩的力量来自背部腰上的力量再传导到肩上。在演奏时右手的大臂、小臂、手腕和手指一定要使力量上下贯通，在演奏的时候一定要记住什么时候都不能把肩膀扛起来，使身体的力量无法传达到大臂。手肘应该处在左肩膀和身体一侧中间一半的地方，手腕不要过分的灵活，在我们换弓的时候一定要注意不要妨碍弦的震动和力的运用;演奏者要掌握好弓速，才能演奏出自己所希望的表现力，这些都需要右手在运弓时对弓速的良好掌握来配合的，练习时要将长短弓进行时值一样的搭配练习。

2.运弓的技巧

运弓时的每一步一定要到位，首先从弓根开始，最初用手臂运弓，以肩部后臂为主;当弓运行到中弓时，前臂为主，伸出手腕至弓尖;从弓尖回来时，前臂为主至中弓，然后用整个手臂推至弓根，手腕顺弓根方向稍抬起，整个动作一气呵成，如果在这个过程中觉得什么地方别扭，那肯定是姿势出现了扭曲(改正姿势的过程除外)，所以我们要用最科学，最舒服的姿势来运弓。

3.琴弓触弦的力度

在练习的过程中，经常会出现一些违背自然生理规律的现象。如握弓手指僵硬、大把抓，拇指和其余四指都立起来，四指紧并，捏着弓杆，或握弓太浅、过深等，这样都是会影响琴弦的震动，无法传出乐音。还有一种情况就是用大臂的力量将琴弓往下压，想用蛮力使琴弦震动，这样都是错误的。在我们练琴的过程中，总会听到这样一个名词，叫“解放右手” 只要有一个关节僵住，运弓就不能通畅。此时，应该运用手臂本身的重量自然地放到弓杆上，通过弓杆马尾放到琴弦上，这是运弓的第一步，是非常重要的。用重量运弓和加肌肉压力是两个不同的概念，不能混为一谈，但两者是密切联系的。在运用重量的前提下，根据力度需要适当增加肌肉压力。若两者概念不清，在不能使手臂放松和不会运用重量运弓的情况下，想加强力度就会出现死压肌肉的现象，从而超出乐器本身所能承受的范围。一味地追求音量效果，就会出现“死压弓”，发出极不自然甚至刺耳的声音。经验证明，这种毛病是运弓的致命伤，是发音好坏的关键所在，所以必须注意。我们都知道，两个物体在垂直的时候是摩擦力最大的，所以琴弦与弓要保持垂直才能最大化的震动琴弦，我们在练琴是看到的弓与琴弦的垂直其实是不垂直的，如果我们在镜子前练琴能过发现了，练琴中我们看到的垂直其实是弓尖在上，弓根在下，所以我们练琴时，运弓到弓尖，就应该自然的将手臂往外延伸，这样才能使弓和琴弦保持最垂直的状态，从而达到最好的效果。

二.手腕是保持力度的关键

1.立腕还是平腕

在手腕方面，还应注意的一点就是手腕的姿势，现在流传着两种说法，一种是手腕持平，用整个手掌压在弓上，另一种是手腕立起来，靠手指的张力扒住弓，那么着两种方法哪一种是正确的呢。我认为将手腕立起来，不仅能使力量更好的传导到弦上，还能使手腕灵活，解决手腕灵活度的问题的同时，页可以解决力度问题，一举两得。手腕立起来还有一个好处，就是可以自然的将弓毛完全贴在琴弦上，使琴弦完全震动起来。在这之前，我的手腕不慎扭伤，导致手腕没法正常弯曲，这就给我带来了很大的困扰，因为我在拉琴的时候是习惯立腕，受伤之后手腕就不能立起来，只能持平，每次练琴的时候，拉一会手就会变得非常酸，而且明显感觉力度用不上，或许是因为习惯了立腕的动作而不适应手腕持平。但是这却又一个好处，以前我在运弓的时候，换弓的一瞬间我的手腕会甩一下，现在手上绑着绷带，倒是把这个毛病解决掉了，尤其是在练习巴赫无伴奏第一组曲的前奏曲时，不会像之前那样因为手腕和小臂用力不同而混乱，这也就引申到了下一个问题，手腕的松弛度。

2.手腕的松弛

但是在我练习的过程中，发现了一种误区，那就是手腕的过度松弛松弛，有的时候感觉手腕非常松弛，每次换弓都会甩手腕，但是在每次换弓的时候，看似松弛的手腕却是把腰上传导过来的力量全部都甩掉，弓还是没法完全粘在琴弦上运动，这边是一个细节的问题，在每次换弓时，手腕一定要保持住原来的动作，反而手指可以适当的随着弓活动，这样整个臂就保持一个各个关节都运动的状态，那么力量自然就能很好的传导，力臂也会保持松弛。

3.怎样将合适的力度保持下去

在姿势和力量运用正确的同时，就要强调保持。我们将琴弦震动到最适当的程度之后，接下来的就是要保持，一定要和列的运用弓的“惯性”，每一弓之间的瑕疵要很小，尽量听不到。在这个过程中，首先要注意是手臂紧张导致不能运用重量运弓，还是弓子贴不到弦上以至发出虚飘的声音。另外还要注意的是用重量运弓和加肌肉压力时，一定要避免把弓“压死”，妨碍弦的震动，发出很死板的声音。

三.配合右手的力度练习

在姿势和力度都保持正确的前提下，现在就来说说右手的练习。著名大提琴家卡萨尔斯曾示范过一种大提琴右手练习的方法，就是用慢速一弓四个音来拉奏渐强减弱的音，甚至一弓六个音，八个音，十二个音，通过这样的练习，可以把手臂的力度全部集中在食指，拇指和小指上。从而也能解决肩部紧张，手臂紧张的问题。还有一个最好也是最简单的方法，就是练习空弦。因为空弦练习的时候可以把注意力全部放在右手上，每一个动作都可以注意。从一弓一个音四拍的慢练到一弓四个音、八个音，根据不同的速度来选择不同的力度和姿势，不管一个音还是八个音，都用全弓来拉奏，保持弓根和弓尖的力度一致。例如《波帕尔高级练习曲40首》中的第二首，在练习的时候就可以用这种方法，可以将一小节分成四弓，每一弓拉四个十六分音符，通过练习慢慢的变成一弓八个十六分音符，到最后拉奏完整的一小节。这也就是为什么《巴赫无伴奏第一组曲前奏曲》有前连弓后分弓的版本了，这样可以既保持乐句的连贯又能解决因为弓尖力度和弓根力度不好控制的问题。

四.左右手的配合演绎完美音乐

1.左手的重要性

基本上所有的乐器都需要左右手的配合，那么大提琴也不例外，在大提琴的演奏中，左手担负着最重要的使命。首先，也是最重要的，就是音准，音准是表现音乐的最重要的条件;音乐不同于别的艺术，不像绘画，雕塑或是写作，音乐是瞬间的艺术，不能修改的，在演奏的过程中，只有一次，不能返回去再改变。所以这对我们的左手要求就非常高了，如果有一个音不准，那都是毁灭性的错误。其次就是左手的的颤音，也就是揉弦根据作品的不同要做出不同的变化。如果乐曲需要表现悲伤的色彩，我们可以用幅度比较大而且频率慢的揉弦。如果是欢快的乐曲，我们则应该使用快速的揉弦。而且在低音区的揉弦与高音区的揉弦也应该有所区别。高音区，音频高，声音亮。很容易被人接受。快而短促的揉弦停起来非常悦耳。而低音区，由于音频宽，短促的揉弦实际上起不到什么效果。这就需要左手完美的控制揉弦的力度和频率。最后，也是我们经常会忽略的一个问题，就是左手手指的力度，相信大家在初学的时候都联系过打指，就是手指用力打弦，打下去就放松，从一拍打一下一直练到打很多下，这样练习是为什么呢?手指打弦的力度上去了，便有了颗粒性，什么叫颗粒性，也就是我们通常所说的干净，有的人手指不干净，拉出来的东西总感觉是一滩烂泥，而有的人拉出来什么音就是什么音，干净而清晰，这就是左手手指的功夫。

2.右手的任务

右手的任务就是保持音色，将不同感情和不同强弱的音乐明显的区分出来，不管是一个音也好，一个乐句也好，右手都要赋予他们不同的色彩。运弓的方法也会使的声音产生很多变化。弓法的`技巧是非常多样的。顿弓、跳弓、撞弓等等这些都是大提琴演奏家在很多年演奏中慢慢开发出的技巧。这些技巧在乐曲中大部分都标了出来。我们只需要按照谱子的标记去演奏就可以了。但是还有很多运弓的方式谱面上并没有标记，例如弓速、弓段。这些问题如果解决不好，那就会限制我们右手的运弓，从而影响的音色。

音乐与语言是有相同性的，音乐有的时候就像说话、唱歌一样。所以我们想分配好弓子的运用，就应该先划分好乐句。这样我们才能分配好弓段，选择正确的弓速。

曾经有一位大提琴家说：“用左手拉琴是‘匠’，用右手拉琴是‘家’，用心灵拉琴是‘大师’”。心灵是一个抽象的名词，但我们暂且可以把心灵想作是左右手，左右手的控制配合就是用心的一个过程。

3.左右手的配合

在练琴的过程中，我们经常会遇到这样一种情况，就是在拉快的东西的时候，往往左右手会不在一起，不是左手快一点，就是右手快一点。这是一个致命的问题，时间久了会导致我们在拉快的东西的时候开始不自信，那么这种问题要怎么解决呢?除了我们通常用的慢练之外，还有一种方法是可以适用的，这是我的老师告诉我的一种方法。就是左手先触弦，右手再拉动，在听觉上就是慢半拍，这种联系可以很好的解决左右手打架的问题，因为通常都是左手比右手慢一点。

五.演奏中的呼吸

除了手上的功夫之外，还要注意的一点就是呼吸，让音乐随着自己的呼吸来流动。呼吸对于世界万物都是必不可少的，缺少了呼吸，一切就都没有了灵动。音乐是表现人思想感情的产物，演奏者则是音乐作品的第二度创作者，演奏者的感情是要随着音乐作品的情感变化而变化，当我们情感波动时，人的呼吸会加速或减慢 ,变浅或加深，当演奏音乐作品时 ,演奏者的情感势必跟随音乐作品而变化 ,从而导致演奏者呼吸的变化。这时如果演奏者的呼吸与乐曲的情绪相一致的话 ,就会更完美地表现作品。所以在演奏中应该有意识地调节呼吸 ,使之一气呵成、将乐曲内涵充分地表现出来。

1.第一句之前的呼吸

在演奏第一句之前，我们有时候会有一些误区，一些演奏者会在演奏第一句前深吸一口气，然后一直保持这样的呼吸，但是我认为，深吸一口气倒不如深吐一口气，将自己完全的放松下来，将第一句作为吸气的开始，这样才能保证在演奏中呼吸均匀。

2.乐句之间的呼吸

在音乐作品中，会有不同的乐句，在乐句之中和每个乐句之间，都会有一定的联系和停顿。这些联系和停顿就是我们所说的呼吸。音乐是人类语的一种高级语言有时候无法用文字表达的美好或是丑恶，却能用音乐表现出来，它同语言一样有着长句短句之分，同样有着我们中文里的排比，顶针的手法。有着抑扬顿挫的语气变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性。它跟人类的呼吸一样，没有呼吸就没有乐句，也就没有了语调和结构，没有了生命。有的人大提琴演奏中出现不顾音乐的分句，演奏中缺少音乐的呼吸，那么他的演奏就只是在描述音符，这是没有意义的。

3.理解乐曲

一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题，教师对作品的不理解，导致了学生也无法正确的理解乐曲，到最后，学生对乐句的认识模糊，处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性，让人感觉到紧张和不自然，也缺少了作品应该表达的思想感情。 我们知道，音乐是一门时间的艺术，在时间中展开又在时间中结束。演奏者对于呼吸时间的把握，应该考虑到音乐本身的节奏特征和律动特点。演奏者要善于体会这种感觉，只有这样才能掌握好呼吸的时间。在演奏一句长达几十个小节的大起大落的旋律时就必须以舒缓而绵长的气息为根本。同样，在需演奏情绪高涨激昂，或者速度较快的一段乐句时，演奏者本人的呼吸也应该相应加快，到高潮音之前的呼吸可以较深一些。但不管怎样，演奏者本人的呼吸与乐句的呼吸在根本上应该是一致的，而且与乐段乃至整首乐曲的呼吸也应该是和谐统一的。此外，对于演奏中呼吸的掌握，应先把乐曲演奏熟练完整的情况下，通过反复哼唱乐曲的旋律来深入体会乐曲的断句，然后将它运用到实际演奏中去，将自身的呼吸与音乐的呼吸融为一体。只有这样，才能达到表现音乐内涵的目的，才能将音乐作品演绎得淋漓尽致。

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